Animation mode d'emploi

L'animation développe notre créativité et nous permet de donner vie à nos mondes imaginaires.

En utilisant différentes techniques d'animation, vous pouvez animer toutes sortes de choses : des objets de tous les jours, des jouets, des figurines en plastique, des personnages en papier, des poupées et même des gens. Dans le film d'animation, rien ne vous empêche de créer des créatures fantastiques ou des planètes que personne n'a jamais vues auparavant ! Quand vous créez un film d'animation, il est utile d'organiser votre travail à l'avance. Si vous êtes plusieurs auteurs travaillant ensemble, choisissez chacun un poste : réalisateur, scénariste, décorateur, animateur, monteur, etc.

Dans les fiches suivantes, nous vous guiderons dans l'ensemble du processus de création d'un film d'animation - de l'idée de base jusqu'à la publication en ligne de votre film. Sauter une seule de ces étapes est en général une mauvaise idée car la création et la compréhension de l'animation nécessite une approche exacte. Pour chacune des phases de création de votre film ( pré-production, production et post-production), vous trouverez des conseils utiles sur internet, dans beaucoup de bons livres et dans différents programmes éducatifs.

1. Idée, histoire

Pour faire un bon film, vous avez besoin d'une bonne histoire, et une bonne histoire nécessite une idée intéressante. L'histoire est l'un des éléments les plus important d'un film. Quand vous écrivez l'histoire, vous pouvez l'inventer complètement ou tirer votre inspiration de la littérature, de la BD ou de tout autre écrit en en faisant votre propre adaptation. Dans ce cas, vous devez respecter les copyrights de l'auteur de l'histoire originale et obtenir leur autorisation en contactant la société gérant les droits d'auteur.

Un bon début est d'écrire une histoire courte ou un gag. Il est également important de déterminer le genre de votre histoire : est-ce une comédie, une histoire d'horreur, une romance, une histoire de science fiction ou un polar ? Ou peut-être quelque chose complètement différent ?

Pour écrire une histoire, il est utile de tirer votre inspiration de vos propres pensées, de votre environnement et de choses que vous aimez ou que vous connaissez bien. Essayez d'imaginer un cadre convaincant dans lequel votre histoire se déroule. Quand des évènements arrivent dans un ordre spécifique, nous avons une séquence logique d'évènements qui se traduit bien en film d'animation. Il est important que le public comprenne votre film, donc demandez vous si l'intrigue et le message de votre histoire sont facilement compréhensibles.

Vous pouvez raconter votre histoire à d'autres personnes et leur demander ce qu'ils en pensent ou s'ils ont des idées.


2. Développement des personnages

Si vous voulez que les spectateurs s'identifient à vos personnages, ceux ci doivent sembler "réels" (comme des personnes ou des animaux) et bien s'intégrer à l'histoire que vous racontez. Comme vos personnages animés ne sont pas toujours des personnes, mais peuvent également être des objets qui parlent et qui bougent, il est important qu'ils aient une apparence et des gestes reconnaissables, leur propre manière de s'exprimer et de se déplacer, qui les rendront crédibles. Peu importe si le protagoniste est une théière, une poupée, un robot ou un héros en pâte à modeler, leur apparence et comportement doivent être développés d'une manière qui les rende convaincants aux yeux du public. Nous appelons cela le développement des personnages.

Pour créer vos personnages, vous pouvez essayer de trouver sur internet des images de référence qui ressemblent à ce que vous avez en tête. Des images, photos et dessins sont des outils très utiles pour expliquer vos idées et concepts visuels aux autres auteurs du film, et vous permettent d'organiser plus facilement vos propres idées quand vous travaillez seuls.


3. Scénario

Sur la base de l'histoire et des personnages, vous créez un scénario pour le film et établissez sa dramaturgie - structure de l'histoire et séquence d'évènements. Le film d'animation est un art visuel, ce qui implique qu'il est judicieux de faire un scénario qui contienne beaucoup d'informations visuelles. Chaque détail compte !

Pour écrire le scénario (aussi appelé "script"), essayez de faire se suivre les séquences d'évènements du film. Si vous décrivez chaque plan dans un nouveau paragraphe, la personne lisant le scénario sera capable de se représenter comment les séquences se suivent, cela vous aidera à envisager le montage en amont. S'il y a des dialogues dans l'histoire, ou s'il y a un narrateur qui raconte l'histoire en voix off, tous les textes dits dans le film doivent être écrits dans le scénario de manière à ce que tout le monde sache qui parle et de quoi.

Chaque séquence commence par son numéro, le lieu et le moment de la journée.

Exemple :

1. EXT. - DEVANT LA MAISON - NUIT ou 7. INT - L'USINE - JOUR

(où EXT signifie extérieur ou dehors, et INT signifie intérieur ou dedans) Si le scénario contient des dialogues, écrivez les au centre de la page sous le nom du personnage qui parle, comme dans l'exemple ci dessous.

Exemple :

J.KOOL : Kool Animation, c'est juste Kool Animation !

Le style et les règles de l'écriture de scénario sont importants à suivre car ils vont donner à tout le monde beaucoup d'informations importantes sur les évènements du film : le lieu, le moment de la journée, les personnages qui apparaissent dans la scène, les dialogues...

Des logiciels dédiés que vous pouvez trouver sur internet vous aideront à écrire des scénarios et les formateront correctement sans trop d'efforts.


4. Conception graphique

La conception graphique se traduit par le dessin de tous les personnages, décors et accessoires apparaissant dans le scénario. On les dessine de tous les côtés (face, derrière, gauche, droite, dessus, dessous) afin que tous puissent se rendre compte de ce à quoi ils ressemblent. On dessine aussi les personnages dans des poses variées et avec différentes expressions du visage.

Le décor, les arrière-plans et les accessoires doivent être dessinés en détail. Soyez attentifs aux couleurs car les personnages doivent se détacher nettement de l'arrière-plan - ce qui veut dire qu'ils ne doivent pas être de la même couleur que leur environnement.

Dans cette phase de pré-production, les images de référence et les photos sont ici très utiles.


5. Storyboard

La meilleure façon de décrire le storyboard est d'imaginer une sorte de bande dessinée, dans laquelle les séquences d'images représentent toute l'histoire de façon visuelle. Dans le storyboard, nous montrons quel genre de plan et de cadrage nous avons l'intention d'utiliser pour chaque plan, et le format de notre film. Le format le plus utilisé actuellement est le format 16:9.

Le storyboard montre les directions que prennent les personnages ou les objets. Nous y dessinons aussi les accessoires et les arrière-plans qui apparaitront dans le plan, à l'exception des détails mineurs. Les images peuvent être dessinées de manière simple ou détaillées, en fonction de votre aptitude à dessiner, mais chaque plan doit avoir au moins une image. Plus vous dessinerez d'images, plus vous serez capables de présenter les évènements qui se déroulent dans le plan, de manière à ce que ceux qui liront le storyboard puissent comprendre ce que vous avez en tête.

Chaque plan dans le storyboard possède son propre numéro, et sa durée est spécifiée, ce qui permet de savoir de combien de photos seront nécessaires. Cette information est très importante pour établir le planning du tournage.

Si vous animez des objets ou des jouets que vous possédez déjà, vous pouvez utiliser une webcam pour créer un roman-photo plutôt qu'un storyboard, et définir la position exacte de la webcam pour chaque plan. De même, chaque scène dans le roman-photo doit avoir son numéro propre et sa durée doit être spécifiée.

Quand vous avez un storyboard, vous pouvez commencer à réaliser l'animation.


6. Personnage et plateau

Prenez votre storyboard et écrivez tout ce dont vous avez besoin pour construire vos personnages et vos décors. En préparant tout maintenant, vous n'aurez pas à vous en soucier plus tard au moment du tournage.

Quand vous construisez vos personnages, vos décors et vos accessoires, vous devez prendre en compte le format d'image (l'échelle) de votre film. Soyez attentifs à ce que vos personnages ou décors ne soient pas trop gros ou trop petits pour remplir correctement l'image. Utilisez le matériel le plus approprié en fonction de la technique que vous avez choisie. Les personnages doivent être solides et stables afin de pouvoir les bouger et prendre une photo après l'autre sans qu'il casse ou s'abîme.

Le décor, les accessoires et les arrière-plans doivent être réalisés de manière à ce qu'ils puissent être fixés au sol, car vous voulez que rien ne bouge pendant que vous tournez. Si vous tournez dans un lieu réel, comme une cuisine, les accessoires et les arrière-plans doivent être immobilisés de manière à ce qu'un arbre, un rocher ou une maison ne change pas de position entre les plans.

Jettez un œil à comment le personnage de J.Koll&Hyde est fait. Encore mieux, participez à un atelier de film d'animation !


7. Equipement technique et studio

Pour faire un film d'animation, il vous faut un ordinateur, une webcam, un pied tenant la webcam, quelques éclairages et le logiciel de capture d'image Kool Capture.

Il vous faut aussi un endroit qui vous servira de studio. Veillez bien à obturer les fenêtres car il ne faut pas que la lumière extérieure change vos prises de vues. La raison pour laquelle on utilise des lumières artificielles pendant le tournage est que cela nous permet de contrôler présicément la quantité de lumière.

Pendant les prises de vues extérieures, soyez attentifs au temps et tout spécialement aux modifications de luminosité.


8. Animation

Avant de filmer l'animation, essayez de vous filmer ou un ami jouant les scènes devant la caméra. De cette manière, vous pouvez préparer tous les gestes et positions que vous avez besoin de photographier pour une scène particulière - et rendre le processus d'animation plus facile. Regardez autour de vous !

Cherchez différentes photos de gens ou d'objets en train de bouger et regardez à quoi elles ressemblent. Observez comment les animaux bougent dans la nature ou imaginez comment les objets peuvent "marcher". Pour chaque personnage de votre film, vous pouvez aussi créer des types de mouvement particuliers, comme sautillant, rampant ou roulant. Il n'y a pas de limites à l'imagination.

En Europe, une seconde de film est faite de 25 photos ou frames. Vous devez choisir entre une animation single-frame, où chaque position de votre personnage est photographiée une fois, ou une animation double-frame, où elle est photographiée deux fois. Si vous choisissez double-frame, vous aurez besoin de moitié moins de photographies (frames) pour chaque seconde de film.

Vous pouvez aussi combiner les techniques, car les mouvements rapides, comme un personnage en train de tomber ou une flèche en train de voler passent mieux en single-frame car l'animation apparait plus fluide.

Regardez les plans image-par-image pour voir de combien d'images vous avez besoin par mouvement. Avant de commencer votre animation, effectuez quelques tests. Si l'histoire contient des dialogues, enregistrez les avant de commencer votre tournage, vous saurez ainsi combien de temps doit durer votre scène pour correspondre au texte. La bouche des personnages doit bouger en rapport avec le son du dialogue, ce qui donne l'impression que le personnage parle.


9. Post-production image

La post-production des images est la phase de montage du film et de création des génériques de début et de fin. Vous pouvez faire les crédits (texte qui contient le titre, les artistes et autres informations au début ou à la fin du film) pendant le tournage. Comme les crédits font partie de votre film, essayez de conserver une cohérence visuelle.

Le film est constitué de photographies (frames ou images), alors essayez d'expérimenter. Doublez ou triplez certaines images pour influencer la fluidité des mouvements. Si les mouvements sont trop lents, supprimez des images. Le montage, comme s'appelle ce processus, crée la dynamique finale de votre film - le rythme des changements entre les plans et les scènes, et en assemble tous les éléments.

La post-production inclut également la correction des couleurs. Tous les plans doivent avoir des couleurs assorties, et il faut parfois les corriger. C'est aussi le moment où, si vous le désirez, vous pouvez rajouter des effets spéciaux.


10. Post-production son

La post-production des sons est la phase durant laquelle on ajoute la musique et les bruitages. les sons aident à créer l'atmosphère de votre film et ajoutent beaucoup d'émotion et de plaisir. Le son est une partie très importante du film et il aide à rendre le tout "réel" et contient également des informations que le public ne peut voir à l'écran, comme des sons d'animaux, de voitures, d'eau ou de vent.

Rappelez vous, vous ne pouvez pas vous servir de sons (musiques, enregistrements, etc) trouvés sur internet ou qui appartiennent à d'autres personnes sans leur avoir demandé leur autorisation !

Sur internet, vous pouvez aussi trouver des banques de son et des bases de données de musique qui sont libres d'utilisation, ce qui veut dire qu'elles sont libres de droits. Trouvez quelque chose que vous avez le droit d'utiliser et créez les sons de votre film. Bien sûr, vous pouvez toujours vous saisir d'un micro, d'un logiciel d'enregistrement et enregistrer vos propres sons !


11. Distribution

Quand la post-production est terminée et que le film est complet, vous devez préparer divers formats digitaux pour la distribution, c'est-à-dire envoyer le film là où les gens pourront le voir. Si vous mettez votre film en ligne, vous avez besoin d'un format différent de celui qui est nécessaire par exemple, pour le diffuser à la télévision. Pour présenter votre travail, vous aurez aussi besoin de quelques images du film, une photo des auteurs, un court synopsis de l'histoire du film, les informations techniques, etc.