Glossaire

Il y a tant à apprendre à propos des films ! Ce petit dictionnaire est juste un accessoire, un premier pas pour vous familiariser avec l'animation. Les courtes définitions fournies ici offrent un point de départ pour vos aventures dans la réalisation de film. Pour vous familiariser avec l'animation, consultez des livres, des magazines et des articles sur le net, et surtout - REGARDEZ DES FILMS !!! (De toutes les époques et de partout dans le monde !)


Genre

Une classification fondamentale qui sépare les films en fonction de leur approche de la réalité. Les genres basiques sont le documentaire (qui décrit de vraies personnes et de vrais évènements), les fictions (qui utilisent des acteurs dans des évènements fictifs), les films d'animation (qui utilisent des éléments fictifs dans des évènements fictifs), et les films expérimentaux (qui, plutôt que de se concentrer sur l'histoire, se focalisent sur l'exploration des frontières du langage cinématographique et les nouvelles formes d'expressions de ce medium).


Animation

En Latin, anima veut dire "âme" ou "esprit". En Slovène, animirati signifie enthousiasme, encouragement, mouvement. Ainsi dans les films, l'animation est le procédé qui donne vie à des images ou des objets. La technique de base de l'animation est de filmer image après image, qui est appelée "image par image" - prendre en photo, l'une après l'autre, les phases du mouvement d'une image, d'une marionnette ou d'un objet que nous modifions ou bougeons. Une unité individuelle peut être une seule image (animation single-frame) ou deux images (animation double-frame), en fonction du résultat désiré. Quand nous jouons une séquence de ces images assez vite, elles semblent se mettre en mouvement.


Animation de silhouettes

Cette technique utilisée parmi d'autres en animation stopmotion, fait apparaître les objets sous la forme de silhouettes noires. Ce résultat est atteint en éclairant par derrière (en contre-jour ou "gegenlicht" en Allemand) des formes découpées dans du carton, du papier ou d'autres matériaux, bien qu'il y ait également d'autres manières de procéder. Les films utilisant cette technique sont en général monochromes, avec un premier plan noir et l'arrière-plan en différentes nuances de gris - plus éloigné est l'objet, plus claire est la nuance de gris, ce qui donne une impression de profondeur. Les exemples colorés de cette technique d'animation résultent en général de différentes teintes d'une même couleur. L'animation de silhouettes a été utilisée dans le tout premier long métrage d'animation encore conservé "Les Aventures du Prince Ahmed" (Die Abenteuer des Prinzen Achmed, 1926, réalisé par Lotte Reiniger).


Techniques d'animation (dans les films ou médias numériques)

Il existe de nombreuses techniques d'animation, bien que la plupart soient basées sur le même principe (filmer image par image, puis faire défiler ces images pour créer l'illusion du mouvement).


Arrière-plan

Dans l'animation traditionnelle, l'arrière-plan est une image représentant l'environnement dans lequel les personnages et les objets se déplacent. Des calques transparents avec l'image des personnages et autres objets que nous voulons animer sont alors placés devant l'arrière-plan. Les arrière-plans sont aussi utilisés dans l'animation 2D sur ordinateur.


Angle de caméra

C'est la relation entre la position de la caméra et le sujet qui est filmé, ou en d'autres termes, la perspective à partie de laquelle la caméra filme la scène. Quand la caméra est à la hauteur de la tête des personnages dans le plan, on parle de plan neutre ou plan à hauteur des yeux, quand elle est plus basse que ce niveau c'est une contre-plongée, quand elle est au-dessus c'est une plongée. Une extrême contre-plongée est aussi appelée vue à vol d'oiseau ou une vue aérienne.


Pied de caméra

Un pied qui tient une caméra, un projecteur ou un microphone. Il possède plusieurs éléments télescopiques que l'on peut ajuster pour sélectionner la hauteur et l'angle voulu pour l'instrument qu'il porte.


Création de personnages

L'élaboration de personnages de films réalistes basés sur des caractéristiques physiques, psychologiques et sociales. Ensemble, celles-ci dessinent la personnalité des personnages et influencent leurs réactions aux circonstances de l'histoire, en fonction du genre et du style de narration. En ce qui concerne les acteurs (ou les personnages animés), la création de personnage permet l'ébauche d'un portrait fidèle de chaque protagoniste (leur manière de parler, leur posture, leurs mouvements...)


Modelage

Une des nombreuses techniques d'animation en stop motion, le modelage fonctionne avec des matériaux malléables comme la pâte à modeler ou l'argile pour créer des personnages animés, des objets ou des arrière-plans. Les matériaux souples, qui peuvent être facilement remodelés, sont souvent réunis autour d'un fil de fer de manière à créer facilement des positions stables et précises pendant le tournage. Le film d'animation Wallace & gromit (de Nick Park) est un exemple connu d'animation en modelage.


Crédits de fin

Le texte à la fin du film qui inclut normalement la liste des acteurs ou des personnages qui apparaissent dans le film, les membres de l'équipe et autres contributeurs, des informations sur les caractéristiques techniques et de production du film, la liste des musiques, sponsors, etc. Contrastant avec les crédits d'ouverture qui peuvent être assez fastueux, les crédits de fin sont souvent simples et basiques dans leur apparence.


Comédie

Genre qui apparaît souvent dans les films d'animation. Dans les comédies figurent des personnages comiques loufoques et déjantés et des blagues drôles qui divertissent le public. L'intrigue peut être entièrement fantastique ou absurde par nature, et l'apparence des comédies est très souvent lumineuse et colorée.


Composition

L'arrangement et les interrelations entre les éléments principaux qui composent les différentes images ou plans – la position des personnages, de la mise en place, de la lumière, des couleurs et de la texture. Plusieurs règles de composition existent, et on peut décider de les suivre ou pas. La composition d'un plan peut changer quand la caméra se déplace (plans dynamiques). La composition de deux plans qui se suivent est une chose importante à prendre en compte pour des raisons de montage, de manière à ce qu'ils s'accordent bien quand ils seront enchaînés.


Animation sur ordinateur

Les techniques d'animation sur ordinateur sont très nombreuses avec pour point commun l'animation digitale. Il y a les techniques 2D qui se focalisent sur la manipulation d'images, et les techniques 3D qui créent des mondes entièrement virtuels dans lesquels les personnages se déplacent et interagissent.


Copyrights / Droits d'auteur

Les copyrights sont les règles légales qui encadrent la relation entre les auteurs de cinéma, et les lois qui régissent l'utilisation des œuvres à des fins commerciales ou culturelles (cinéma, télévision ou projections dans des festivals). Les droits financiers liés à un film deviennent invalides après une période de 70 après la décès de l'auteur, tandis que les droits moraux (mention du nom de l'auteur et contribution) restent valides indéfiniment. Les lois relatives au copyright changent d'un pays à l'autre. Nous devons toujours être attentifs à respecter le droit d'auteur quand nous utilisons tout ou partie d'une œuvre créée par un autre, sachant qu'il y a beaucoup d'archives et de bases de données disponibles qui sont libres de droits.


Cut-out / Animation de papiers découpés

Technique d'animation en stop motion qui utilise des personnages objets, accessoires... découpés dans divers matériaux (papier, carton, plastique, tissu, métal, verre, etc.).


Dialogue

Un des éléments des films narratifs, les dialogues sont tout ce que les personnages disent. Dans les films, les dialogues sont parfois créés pendant le tournage sur le plateau (improvisation), bien que la majeure partie soit écrite dans le scénario. Quand les films sont muets, les dialogues apparaissent sous forme de textes insérés entre les scènes (intertitres). Ils peuvent consister en des mots inventés, des interjections ou un langage fictif. Il est à noter que les dialogues d'un film d'animation sont enregistrés avant toute chose, de manière à ce que la bouche des personnages puisse être animée en rapport - avec les expressions du visage correspondantes, les formes de la bouche et le timing des mots et des phrases. Quelques 12 bouches différentes sont suffisantes pour donner l'impression d'une parole fluide.


Réalisateur

L'auteur qui lance les prises pendant le tournage et qui est responsable de la qualité finale et du contenu du film. Le réalisateur guide les autres auteurs ainsi que les membres de l'équipe de tournage et de l'équipe technique. Cela n'a pas toujours été le cas dans le passé et tous les types de films n'ont pas nécessairement un réalisateur, bien que ce soit le cas dans la plupart des films. On dit souvent qu'un bon film est le résultat d'un travail d'équipe mais qu'un mauvais film est la faute du réalisateur.


Distribution

Une branche du cinéma qui agit en tant qu'intermédiaire entre la production du film et sa projection. La distribution est faite par des entreprises appelées distributeurs. Ils achètent au producteur les droits de diffuser le film pour une certaine période (et en général pour un pays ou une région) puis louent le film aux cinémas, festivals et autres institutions. Les auteurs distribuent parfois eux même leur film en s'adressant directement aux chaînes de télévision, aux chaînes de cinéma et aux festivals. Quand ils distribuent leur travail, les auteurs comptent sur les bases de données et les services trouvés sur le net, où les termes et conditions qui s'appliquent à certaines institutions sont en général publiés, par exemple le profil des festivals (film pour enfants, court-métrage, documentaire, etc) et d'autres informations utiles. Aujourd'hui, la distribution est aussi faite en ligne à travers des portails comme Vimeo ou Youtube.


Drame

Un drame présente une histoire qui traite de la vie de tous les jours, où des personnages font face à des conflits personnels ou relationnels, et à des circonstances difficiles dans leur vie. Un drame est plutôt sérieux et ne contient pas beaucoup d'effets spéciaux ou de situations comiques. Son apparence dépend de la période et de l'endroit dans lequel les évènements ont lieu, ainsi les drames peuvent avoir des apparences très différentes (historique, moderne, en temps de guerre, etc).


Dramaturgie

Tous les éléments d'une histoire sont organisés de manière à créer une structure formelle et porteuse de sens (en termes simples : comment construire une histoire filmée de manière à ce que le spectateur comprenne le message et le sens que vous voulez lui donner). Les éléments fondamentaux qui créent la dramaturgie sont : le motif, la thématique, les retournements de situation, les personnages, les motivations, les évènements, les situations, les tensions, les interactions, le timing, etc. Ces éléments sont développés du concept à leur représentation dans le film en utilisant les moyens du cinéma : la sélection des prises, le montage, le son et la musique... qui sont adaptés aux règles du genre et au style de l'auteur. La dramaturgie est déjà soulignée dans le scénario et possède plusieurs catégories : linéaire (suit un ordre chronologique), verticale (le focus est mis sur un point central de l'histoire), circulaire (une série d'évènements qui tournent autour d'une situation), inverse (les évènements apparaissent en ordre inverse), mosaïque (les scènes sont fragmentées et ne suivent par l'ordre chronologique).


Direct sur pellicule

Technique d'animation qui consiste à créer directement les images sur la pellicule. Il y a deux manières d'utiliser cette technique : dans la première, on se sert de pellicule transparente vierge comme support (une pellicule transparente est une pellicule qui a été exposée mais n'a pas d'image dessus, on l'utilise en général au début et à la fin des bobines pour protéger la pellicule pendant différentes procédures comme la projection, le télécinéma, l'édition du négatif, etc) ; dans la deuxième, on se sert de pellicule noire vierge. Bien sûr, on peut aussi utiliser des pellicules déjà enregistrées comme support. On gratte alors la pellicule, on dessine, on peint, on imprime, on perfore ou même on colle des choses dessus pour créer des images intéressantes. Dans ce but, on peut aussi utiliser du film négatif vierge à condition de le faire dans une chambre noire, dans laquelle nous pouvons manipuler la pellicule en l'éclairant avec de fins faisceaux de lumière qui exposeront seulement les parties choisies.


Doublage (synchronisation du son)

Le doublage de film a plusieurs significations :

1) synchronisation des enregistrements de la caméra et de ceux des enregistreurs sonores (cela n'arrive pas dans les films d'animation car la plupart du son est enregistré séparément).

2) synchronisation de la video et du son pendant le processus du montage.

3) l'enregistrement et l'insertion de dialogues et des bruitages, la procédure d'ajout de sons et de musique à un film déjà existant - dans les films d'animation, c'est presque toujours le cas car il n'y a pas de son synchrone à enregistrer pendant qu'on filme l'animation.


Le montage

Processus créatif et technique de la combinaison des images et du son dans certaines séquences et dans une relation particulière - le montage assemble le film en un tout planifié par le scénario. Il existe beaucoup de techniques et d'astuces, une des plus connue est par exemple "le montage expressif", qui suit deux (ou plus) évènements simultanés en alternant entre eux.

Il existe énormément de règles (bien sûr, une fois qu'on les connaît, on peut toujours décider de les transgresser !) qui mettent en avant des manières de monter le contenu pour le transformer en un récit naturel, doux et fluide (gestes naturels, direction appropriée des regards et des mouvements, présentation claire du lieu de l'action et des personnages présents).

La règle des 180 degrés nous aide à préserver la sensation d'un espace uniforme en imaginant une ligne droite (un angle de 180°, puisque nous percevons l'espace comme un cercle autour de nous) qui traverse le plateau de prise de vue. Quand nous filmons une scène, nous ne devons pas franchir cette ligne avec notre caméra pour ne pas changer de perspective. Par exemple : un homme marche dans sa chambre. Dans le premier plan qui est un plan large, on le filme marchant de gauche à droite. Mais si nous plaçons notre caméra de l'autre côté de notre ligne imaginaire (180°) entre les plans, cela donnera l'impression que l'homme marche dans des directions différentes (bien qu'il marche toujours dans la même direction !).

Une autre règle, la règle des 30°, est simple et assez importante - si l'angle entre la caméra et l'objet ne change pas de plus de 30° entre deux plans qui se suivent, cela donnera l'impression que l'image saute. C'est parce que les angles de caméra sont trop similaires pour être enchaînés en douceur.


Effacement

La technique d'effacement est basée sur le fait de dessiner (et d'effacer) la même image plusieurs fois, ce qui peut être réalisé avec différents outils (crayon, charbon, etc) sur différents supports (papier, plastique, etc).


Extérieur

Scène qui à lieu en plein air - elle peut être tournée dans le lieu même (au bord de la mer, sur la route, dans les bois) ou créée dans un studio en utilisant un arrière-plan projeté ou un décor qui imite l'emplacement extérieur. Cette notion est aussi reliée à une approche de la réalisation qui s'oppose à certaines pratiques de tournage en studio considérées comme chères et artificielles. Filmer en extérieur est normalement moins cher et plus authentique, mais est soumis à des conditions imprévisibles (météo, bruits, évènements imprévus, etc). Les films d'animations sont, pour des raisons évidentes, la plupart du temps réalisés en studio et n'ont pas à prendre en compte ces problématiques.


Musique de film (bande originale)

La bande originale est une musique composée spécialement pour un film, et constitue un des éléments essentiels de sa structure. Par extension, elle est composée des musiques ou chansons déjà existantes et inclues dans le film. Elle peut aussi se présenter sous forme de CD, de disques ou autres supports contenant les compositions, adaptations et chansons qui apparaissent dans le film.


Flipbook / folioscope

Carnet avec une série d'images qui change graduellement de page en page. Si on fait défiler les pages rapidement, les images commencent à s'animer - créant l'illusion du mouvement ou d'autres évènements. C'est fondamentalement la manière dont l'animation fonctionne. Exactement comme dans un film, les images du flipbook semblent s'animer à cause de la "persistance rétinienne", phénomène qui a lieu dans la rétine de l'œil humain. Quand nous regardons des images qui changent rapidement, l'œil les connecte entre elles en une image mouvante plutôt qu'en une série d'images séparées.


Frame (image)

Une frame est une image unique sur une pellicule ou un médium digital. Un plan est fait à partir d'une série d'images ou photographies changeant rapidement que nous appelons frame. Chaque frame capture un très court moment dans le temps. Quand les frames sont jouées très rapidement (à la vitesse d'à peu près 20 frames par seconde), elles créent l'image animée sur l'écran.


Gag

Un évènement drôle. Dans un sens plus large, cela peut être toute blague sonore ou visuelle dans un film, tandis que dans son sens le plus étroit, il décrit un évènement surprenant qui arrive à l'écran. Le gag est apparu d'abord dans les comédies burlesques (qui étaient souvent dépourvues de scénario laissant place à l'improvisation pendant le tournage, les gags étaient alors toute idée qui faisait rire les gens).


Genre cinématographique

Classification des films en fonction de leur style. Il y a beaucoup de genres et de sous-genres : polar, film d'horreur, comédie, drame, comédie romantique, histoire d'amour, western, science fiction, etc. Les genres sont basés sur certains critères stylistiques partagés par tous les films dans un genre donné - par exemple l'Ouest Sauvage pour les westerns, l'ambiance effrayante pour les films d'horreur, les intrigues d'amour amusantes et les retournements de situation dans les comédies romantiques, l'espace, le futur et les technologies dans les histoires de science-fiction, les créatures imaginaires dans les films fantastiques, etc. Quand nous comprenons les propriétés d'un genre et ce qui le fait fonctionner, nous sommes capables de créer un film de genre attractif. On apprend cela simplement en regardant des films et en lisant des livres. Normalement, chaque genre a ses récits propres et reconnaissables, son iconographie, ses protagonistes et ses lieux de prédilection.


Film historique

Genre de film basé sur des évènements historiques ou mythologiques, avec une conception graphique qui essaye de restituer de manière fidèle l'époque et les paysages dans lesquels l'histoire se déroule. Les films historiques sont souvent des film à grand spectacle avec d'immenses foules, des évènements épiques et beaucoup de personnages secondaires.


Film d'horreur

Les films d'horreur font naître la terreur et/ou d'autres sentiments inconfortables chez le spectateur avec l'intention de l'effrayer ou de le dégoûter. Parfois, ils incluent aussi d'inhabituels et bizarres éléments comiques. Les personnages de films d'horreur peuvent être des individus de la vie quotidienne, des créatures fantastiques ou des monstres comme des zombies. Bien entendu, l'apparence d'un film d'horreur typique est très sombre, sinistre et mystérieuse. Les mouvements de caméra soudains accompagnés de sons ayant pour but de faire peur aux spectateurs amènent souvent des effets de surprise ou créent une atmosphère effrayante de tension et d'anxiété.


Illusion de la réalité (suspension du doute)

Dans la théorie du cinéma, ce terme décrit l'incroyable faculté du film a créer l'illusion de la réalité dans l'esprit du spectateur. Les analystes de film ont établi que la nature des images de film - leur ressemblance frappante avec les choses réelles, les mouvements réels et le temps réel, les rendent faciles à appréhender comme réelles par le spectateur.


Intérieur

Plan intérieur réalisé dans un espace fermé - normalement dans un studio utilisant une lumière artificielle - ou à l'intérieur de tout espace clos comme une maison ou une voiture.


Intertitres

Des textes sur un fond neutre, la plupart du temps sur un fond noir, les intertitres apparaissent entre les plans dans les films qui n'ont pas de dialogue. Les intertitres remplaçaient les présentateurs qui s'asseyaient au milieu du public et commentaient les films muets pendant les projections. Les intertitres expliquent les rapports entre les personnages, les circonstances, le lieu et le temps des évènements, tout ce qui est difficile à comprendre en regardant juste les images du film.


Narration (récit)

Manière de raconter une certaine histoire (par exemple, essayez de regarder différents films adaptés d'un même livre - chaque film raconte l'histoire d'une manière différente).


Animation d'objets

Cette technique d'animation utilise des objets de tous les jours (contrairement aux accessoires créés spécialement), par exemple des jouets, des cubes, des objets ménagers... Comme ces objets ne sont pas malléables comme l'argile ou la pâte à modeler, ils doivent souvent être combinés avec des personnages, objets et arrière-plans créés spécialement pour l'animation. Un des réalisateurs les plus connus pour sa technique d'animation d'objets est l'auteur Tchèque Jan Švankmajer.


Voix off

Terme très connu pour un son dans le film (voix, bruits d'ambiance, musique) qui ne vient pas de ce qui est montré à l'image (ce que l'on voit à l'écran) mais provient d'ailleurs que le plan, ou bien est prononcé par le narrateur. La soi-disant "voix subjective" qui révèle les pensées (le monologue intérieur), les souvenirs ou les rêveries des personnages font aussi partie de la voix off.


Générique de début ou générique d'ouverture (cf. wikipedia)

Partie initiale du film conçue graphiquement qui montre en général le logo et le nom de la maison de production, le titre du film, le nom des acteurs principaux et les auteurs ayant contribué au film (réalisateur, scénariste, compositeur de la musique, directeur de la photographie, producteur, etc) et parfois une explication, une dédicace ou un avertissement. Le générique peut être séparé du début de l'histoire ou peut s'inscrire en surimpression sur les plans qui s'affichent. Dans les longs métrages, lle générique parfois même apparaître plusieurs minutes après le début du film. Dans les court métrages, le générique de début est en général limité à une paire de lignes (producteur, titre du film...) et l'équipe du film est plutôt présentée dans le générique de fin (ou de fermeture).


Les machines du pré-cinéma

Les machines du pré-cinéma sont les ancêtres des technologies du cinéma, car elles sont basées sur les mêmes principes qui nous permettent de regarder des films et la télévision - une propriété de l'œil humain appelée "persistance rétinienne". Un exemple de persistance rétinienne : imaginez que vous êtes dans une chambre noire et que la lumière s'allume puis s'éteigne très rapidement. Si nous actionnons l'interrupteur plus vite que 16 fois par seconde, on atteint une fréquence critique où la lumière semble ne plus s'éteindre et rester allumée tout le temps. C'est parce que chaque image que nous voyons persiste sur notre rétine une fraction de seconde après qu'elle ait disparu, ce qui permet à notre cerveau de lier ensemble des images statiques et créer ainsi l'illusion du mouvement.

L'idée que la persistance de la vision nous permet de donner vie à des images statique a été découverte il y a déjà longtemps. Pendant le 17e siècle, et particulièrement au 18e et 19e siècles, des inventeurs ont imaginé toutes sortes de jouets optiques et de machines. Le plus vieux et le plus simple était le thaumatrope - deux images peintes sur les faces opposées d'un panneau qui deviennent une seule image quand le panneau tourne assez vite. Des machines plus évoluées comprenaient alors le zootrope, le phénakistiscope et le praxinoscope, des dispositifs d'animation comprenant des séries d'images fixées sur des disques ou sur des roues que l'on pouvait faire tourner pour donner l'illusion du mouvement.


Peinture sur verre

La technique de peinture sur verre utilise de la peinture à l'huile à séchage lent sur des plaques de verre.


Écran d'épingles

La technique de l'écran d'épingles utilise un panneau rempli d'épingles, de pointes ou de petits objets du même type, qui sont remodelés pour créer des textures et des formes peu communes.


Pixilation

Une des nombreuses techniques d'animation en stop motion, la pixilation est utilisée pour animer des gens comme s'ils étaient des marionnettes vivantes. Les acteurs créent la scène et se positionnent pendant qu'on capture l'image (frame). Puis, ils changent leur position et se figent de nouveau pendant que l'on capture l'image suivante. La technique est pratique quand on mélange de vrais acteurs avec des personnages animés et a été utilisée dans de nombreux films, par exemple ceux de l'animateur Canadien Norman McLaren, un célèbre pionnier de l'animation.


Post-production

Dans les films d'animation, la post-production est tout ce qui est ajouté aux images et aux sons après qu'ils aient été enregistrés : effets spéciaux, correction des couleurs et des contrastes, doublage et musique, montage, etc.


Praxinoscope

Dispositif d'animation successeur du zootrope, le praxinoscope été inventé en France en 1877 par Charles-Emile Reynaud. Dans ces deux machines, un bande avec une séquence d'images (représentant différentes phases d'un mouvement) était placée sur la surface intérieure d'un cylindre en rotation. Le praxinoscope améliorait le zootrope en remplaçant les étroites fentes de visionnage par un cercle de miroirs, arrangé de manière à ce que la réflexion des images apparaisse plus ou moins stationnaire pendant que la roue tournait. L'observateur qui regardait les miroirs pouvait alors voir une rapide succession d'images produisant l'illusion du mouvement (animation), avec un rendu plus lumineux et moins déformé que ce qu'offrait le zootrope.


Pré-production

La pré-production dans les films d'animation concerne tous les préparatifs avant de commencer à tourner. Cela commence avec l'idée, le synopsis et le scénario suivis de la conception graphique, la sélection de photos de référence et la création du storyboard. La pré-production englobe aussi l'organisation et les préparatifs du tournage : rassembler l'équipe et les moyens techniques, élaborer les prises de vue et déterminer les plannings de tournage.


Production

La production dans les films d'animation est tout ce qui concerne le tournage : la création des arrière-plans et des personnages, des décors, le tournage des images, l'animation et l'enregistrement des sons et des dialogues.


Production graphique

Avant de commencer à faire un film d'animation, on doit avoir une bonne idée d'à quoi il va ressembler à la fin - l'apparence des personnages, arrière-plans, décors et atmosphère générale. C'est le propos de la production graphique où nous concevons l'apparence des personnages (conception des personnages) et des décors (conception des décors).

La conception graphique des personnages est la première étape de la création des personnages. Elle permet de savoir précisément à quoi ressemblent les personnages. Quand nous dessinons les personnages, nous pouvons choisir de suivre des lignes directrices très pratiques, par exemple choisir des formes arrondies pour les personnages sympathiques et des formes anguleuses pour les méchants...

La conception graphique des arrière-plans et des décors est aussi basée sur une bonne connaissance de ce à quoi nous voulons parvenir et de la scénographie et l'atmosphère que nous voulons créer. Avant de commencer à animer, il est donc avisé de penser au style, aux lumières et à la gamme de couleurs que nous utiliserons dans le film. On peut faire des recherches et trouver des exemples dans des livres ou online en sélectionnant des images de référence ou en créant ce qu'on appelle un "tableau d'humeur" (un collage de photos, d'images, de textes qui illustrent l'atmosphère et l'ambiance générale que nous voulons donner au film).


Accessoire

Elément utilisé dans le film en complément du décor ou du costume, qui peut avoir un rôle actif ou passif dans l'histoire. Les accessoires passifs sont seulement là pour paraître intéressants tandis que les accessoires actifs jouent un rôle important dans le film et en sont parfois même l'élément clé (un trésor par exemple).


Animation de marionnettes ou animation volume

Un film qui utilise la technique du stop motion pour donner vie à des marionnettes et autres objets en volumes créés avec différents matériaux. L'animation de marionnettes était autrefois utilisée dans la plupart des films pour enfants et les possibilités qu'elle offre pour créer des créatures fantastiques, des vaisseaux spatiaux et autres objets imaginaires la rendent très utile pour la création d'effets spéciaux pour des longs métrages. Ce type d'utilisation devient moins fréquent depuis le développement de l'animation numérique sur ordinateur, mais les films d'animation de marionnettes continuent à représenter une bonne part de la création de films originaux. Aux USA et ailleurs, l'animation de marionnettes est normalement appelée animation stop motion. Des exemples très connus de films en stop motion comprennent Coraline (2009 réalisé par Henry Selick) et la série de comédies tchèque Pat et Mat (A je to!, 1976-2013).


Rotoscopie

Technique d'animation dans laquelle les animateurs dessinent sur des prises de vue réelles (en traçant les formes et les lignes) image par image. A l'origine, les images du film étaient projetées sur un panneau de verre dépoli puis redessinées par l'animateur. Cet équipement de projection est appelé rotoscope et a été déposé par Max Fleicher en 1917. Aujourd'hui, la rotoscopie se fait sur ordinateur.


Animation de sable

La technique d’animation de sable consiste à la manipulation de grains de sable sur une plaque de verre éclairée par dessous ou par dessus, créant de curieux contrastes de lumière.


Scène

Partie de l'histoire (filmée en un ou plusieurs plans) qui se passe pendant une durée ininterrompue dans un même lieu. La scène est un composant important de la structure d'une histoire ainsi que dans l'organisation des prises de vues - il est plus pratique de tourner une scène en un seul jour ou, si elle est vraiment longue, en plusieurs jours consécutifs.


Science fiction

Genre caractérisé par des aventures spatiales, des robots, des extraterrestres, des planètes lointaines et des mondes créés de toute pièce. La science fiction se concentre souvent sur la technologie actuelle ou future et l'exploration spatiale. L'apparence (lumières, décors, costumes, etc) est très séduisante et importante dans ce genre, et est aussi assez souvent très chère. Néanmoins, des films de science fiction à petit budget existent, en utilisant des esthétiques astucieuses et innovantes pour évoquer le futur, la cybernétique ou des mondes extraterrestres.


Scénario (appelé aussi script)

Texte écrit utilisé comme base pour faire un film, le scénario raconte l'histoire, présente tous les dialogues parlés et décrit l'environnement dans lequel ont lieu les évènements. Il est divisé en scènes qui se déroulent dans un lieu spécifique à un moment précis. Le scénario contient en général deux formats de texte : un décrivant le décor, les personnages, les évènements, et un autre avec tous les dialogues. Le scénario peut être original, adapté d'un livre, ou le remake d'un film ou d'une histoire déjà existante. Sur la base du scénario, le réalisateur du film (souvent avec le directeur de la photographie) crée le storyboard et le plan de prises de vue. En règle générale, une page de scénario traduit une minute de film.


Scénariste

Auteur qui écrit le scénario. En plus de l'écriture créative, le travail du scénariste comprend souvent des recherches parfois faites en collaboration avec le réalisateur. Normalement, le scénario est écrit avant que le film ne commence, et le scénariste rajoute éventuellement des scènes, des parties de scènes ou des dialogues pendant le tournage. Dans les films d'animation, il est essentiel que le scénario soit complet avant que la production ne débute, car il est beaucoup plus difficile de changer des choses en cours de route. Le scénariste écrit aussi le synopsis, et d'autres versions courtes et résumés du scénario, qui sont utilisés pour présenter le projet afin de lever des fonds ou pour la promotion du film.


Séquence

Série de scènes formant une partie relativement indépendante de l'histoire du film et reliées par une unité temporelle ou de lieu. Exemple : un braquage de banque (dans ce cas, la séquence comprend les préparatifs, le braquage proprement dit et finalement la fuite).


Scénographie

Conception et création du décor dans lequel le film est réalisé. La scénographie représente le lieu, le décor et l'atmosphère du film. La conception graphique et technique de la scénographie est basée sur la vision esthétique des auteurs, le respect des formes du genre et la vision du réalisateur. Dans les films d'animation, le décor comprend une variété d'accessoires colorés et les arrière-plans.


Plan (enregistrement)

En voici une définition fréquente : chaque partie du film que la caméra enregistre entre le moment où elle est mise en route et celui où elle est arrêtée définit un plan. Le plan est déterminé par le plan de prises de vue dans sa durée, sa taille, son angle, sa gamme de mouvements... Le plan tel que nous le connaissons a évolué à travers 3 périodes historiques :

1. Les films créés en un seul plan (1895-1902),

2. les films avec plusieurs plans indépendants (l'introduction du montage, mais à l'époque pas encore en étroite relation avec le tournage : 1903-1910),

3. les films avec beaucoup de plans reliés entre eux qui sont rassemblés au montage.


Plan de prises de vues

Validation de ce qui sera exactement montré dans le plan et ce qui sera hors-champs (sélection de l'échelle du plan, de l'angle de caméra, de l'objectif utilisé, du mouvement ou non de la caméra…), le plan de prises de vue est l’une des tâches fondamentales du réalisateur.


Echelle des plans

La façon dont le plan est cadré, qui impose la taille de l'objet représenté en fonction de la distance de la caméra et de l'objectif de la caméra sélectionné (le point est en général fait sur l'objet et le fond est flou ; quand les objets à l'arrière-plan et au premier plan sont de netteté identique, cela s'appelle la "profondeur de champs"). Les échelles de plan sont divisées en fonction de différents critères mais le concept de base est toujours le même - elles vont de très loin à très proche.

a) Panorama ou Plan Général : montre le paysage ou l'environnement (ville, habitations) de très loin. Aux USA, ce genre de plans est aussi appelé "plan d'établissement" car il présente l'environnement dans lequel ont lieu les évènements.

b) Plan d'ensemble : montre un image élargie d'un lieu, mais les personnages qui sont dedans sont déjà identifiables.

c) Plan de demi-ensemble : montre un personnage de plus près mais comme faisant encore partie de l'environnement.

d) Plan moyen : cadre un personnage de manière à ce que que son corps soit visible en entier à l'image.

e) Plan Américain : plan déjà focalisé sur un personnage, le bas de l'image arrive en dessous de ses genoux.

f) Plan moyen ou Plan rapproché : cadre un personnage sur le haut de son corps, le bas de l'image arrive au niveau de se hanches.

g) Gros plan : montre la tête et les épaules d'un personnage. Dans l'histoire du cinéma (et le développement du vocabulaire cinématographique) ce plan a joué un rôle essentiel car il donne au visage et aux expressions de l'acteur une très forte résonnance.

h) Très gros plan : cadre une petite partie du visage ou du corps d'un personnage, ou d'un objet.


Burlesque (slapstick)

Premier genre de comédie, sans dialogue, le burlesque est basé sur un humour plus ou moins absurde, avec des personnages agissant physiquement de manière comique. L'élément basique du burlesque est le gag. Comme le gag joue aussi un rôle important dans le film d'animation, il est avisé et utile pour les animateurs de regarder de vieux burlesques célèbres (Buster Keaton, Charlie Chaplin, Laurel & Hardy - Stan & Olio...) et des dessins animés classiques comme Tom et Jerry et les films de Looney Tunes (Bugs Bunny, Daffy Duck, Bip Bip et le Coyote, etc).


Logiciel

Les logiciels sont utilisés pendant toutes les phases de production d'un film d'animation - pendant la préparation pour écrire le scénario et réaliser le storyboard, pendant le tournage pour le rendre plus fluide, et à la fin en post-production pour monter la vidéo et le son, ajouter les effets spéciaux, etc. Les logiciels de studios professionnels peuvent être très chers, mais il existe de nombreux logiciels semi-professionnels qui peuvent être meilleur marché voire gratuits (Kool Capture, par exemple!!!).


Son

Un composant fondamental du film (avec la vidéo) qui peut contenir des voix (dialogues, voix off), des sons variés et de la musique. Les premiers films étaient muets (il n'y avait pas de sons enregistrés ou synchronisés, seulement des images) et cela a duré durant une vingtaine d'années. L'ère du film muet s'est achevé en 1927 quand Warner Bros sortit "le chanteur de jazz" d'Alan Crosland, qui devint le premier succès commercial d'un film sonore.


Bruitages

Les sons d'un film ne se résument pas aux dialogues, à la musique ou à la voix off. Les bruitages sont séparés en deux types de sons : les sons produits par des objets (ou animaux) et les sons d'ambiance (tonnerre, pluie, vent, oiseaux qui chantent...). Il est intéressant de noter que la plupart de ces sons ne sont pas enregistrés pendant le tournage, et que la plupart d'entre eux ne sont même pas enregistrés dans leur véritable environnement - la plupart des bruitages sont enregistrés dans un studio spécial. Dans les films d'animation, les sons sont toujours ajoutés séparément, parfois en utilisant des banques de sons, parfois en les enregistrant nous même.


Effets spéciaux

Un effet spécial est un plan ou une partie de plan qui n'est pas créé pendant le tournage mais qui est ajouté par différents moyens en manipulant et en changeant l'image. On peut utiliser des effets d'optique (en modifiant la pellicule pour modifier la taille des objets ou leur vitesse de déplacement, créer des éléments de toute pièce...), des effets mécaniques (ceux là ont lieu devant la caméra, par exemple de la pluie ou de la neige artificielle, le vent, des explosions pyrotechniques, des coups de feu, costumes et maquillage...), des effets pendant le tournage (le premier effet spécial utilisé dans le cinéma, par exemple arrêter la caméra pendant un plan, faire sortir un acteur du plan puis continuer à filmer, ce qui donne l'impression que la personne a disparu soudainement ; double exposition...), et bien sûr, le plus répandu et connu des effets de l'ère moderne, les effets spéciaux digitaux qui nous permettent toutes ces manipulations sur ordinateur.


Rig

Bras mécanique flexible, adaptable et stable (les animateurs les fabriquent souvent eux mêmes) qui nous aide à maintenir un personnage ou un objet debout, suspendu dans l'air au dessus du sol ou devant l'arrière-plan que nous filmons. Pendant la post-production,le rig est alors effacé des images et les objets semblent voler ou tenir seuls. Pour parvenir à cet effet, on peut aussi utiliser un fil de nylon transparent (qui n'a pas besoin d'être effacé car il est presque invisible) pour suspendre l'objet sur le plateau, mais ceci le rend souvent instable et il tend à tourner sur lui même.


Stop motion

Technique d'animation dans laquelle on anime physiquement (en les faisant bouger) des marionnettes, des objets, des gens et des arrière-plans, en prenant des photos de leur position, puis en les bougeant dans une autre position, en reprenant alors une photo, et ainsi de suite. Quand nous faisons jouer rapidement ces images, elles donnent l'impression d'un mouvement fluide. Plusieurs types d'animation stop motion existent, en général nommés d'après le médium utilisé pour les créer. Cela inclut : animation de marionnettes, le modelage, l'animation en papier découpé, l'animation de silhouettes, l'animation d'objets, la pixilation et l'accéléré (time lapse).


Storyboard

Représentation visuelle du scénario sous forme de dessins ou de photos, organisée de manière à donner une bonne idée du plan ou de la séquence qui va être filmée. Les dessins du storyboard n'ont pas besoin d'être très beaux, des formes basiques et de simples arrière-plans feront l'affaire tant que les éléments principaux et les perspectives du plan sont bien illustrés. Les éléments clés du storyboard sont : les personnages et leur gestuelle (expressions du visage, taille, entrée et sortie du plan...), la timeline (durée de chaque plan), l'information sonore (dialogues prévus et bruitages), et la position et les déplacements de la caméra (échelle de plan, angle de caméra, direction de la caméra, etc).


Suspense

Technique de récit qui consiste à raconter l'histoire de manière à laisser aux évènements la possibilité de se déployer dans différentes directions. En retardant la fin, le suspense crée une sensation de tension et d'excitation qui tient le public en haleine (par exemple, quelqu'un tombe d'une falaise et nous ne savons pas s'il est mort ou vivant). Le suspense se base sur les indices et informations qui permettent aux spectateurs de développer leur propres idées et théories sur comment la situation dramatique va évoluer. La structure du suspense peut s'étendre sur la totalité de la durée du film (c'est le cas dans les films d'action, les thrillers, les films d'horreur...), mais il est le plus souvent présent durant des séquences particulières ou des parties du film. Un des plus célèbres maître du suspense était le très connu Alfred Hitchcock.


synopsis

Résumé du scénario qui présente l'histoire, les éléments principaux de l'intrigue et les personnages centraux dans une paire de pages. Le terme synopsis définit souvent aussi un court résumé du film qui est imprimé sur des outils de communication, des catalogues, dans des magazines...


Thriller

L'histoire des thrillers est construite autour du crime et des évènements qui ont lieu dans le milieu criminel. Les personnages sont en général des truands, des voleurs, des policiers et des enquêteurs. Les thrillers sont pleins d'énigmes et de secrets qui utilisent le suspense pour garder les spectateurs en haleine. Leur apparence est souvent noire et sombre car ils décrivent des évènements qui ont lieu à la marge de la société et de la loi.


Accéléré (time-lapse)

Une des techniques de stop motion dans laquelle on photographie un objet ou une scène à un intervalle temporel fixe (une image par seconde, par heure ou par jour…) puis que l’on diffuse à un rythme normal (24 images secondes), ce qui donne une sensation d’accéléré. L'accéléré est particulièrement adapté pour filmer des choses qui sont trop lentes pour que l'œil humain les saisisse (par exemple le mouvement des nuages dans le ciel, la croissance d'une plante, le vieillissement d'une personne) mais ce n'est pas une condition indispensable. On peut facilement filmer aussi des choses ordinaires, comme des rues de ville par exemple, et ensuite faire jouer le film à vitesse normale ce qui donnera l'impression que les choses vont bien plus vite à l'écran qu'en temps réel.


Cohérence

La cohérence dans le film d'animation traite du nombre d'images (ou différentes phases du mouvement) qui sont utilisées pour rendre un certain mouvement (par exemple lever une main ou sauter en l'air), et détermine la vitesse de l'action. Si on enregistre le mouvement entre deux phases avec plus d'images, il paraîtra plus lent et plus souple. Si on l'enregistre avec moins d'images, il paraîtra plus rapide et agité. Avec la cohérence appropriée, on peut faire se comporter les objets et les personnages selon les lois de la physique, ce qui les rend réalistes.

La cohérence est aussi très importante quand on façonne l'ambiance générale, les réponses émotionnelles des personnages et leurs réactions à leur environnement, et cela peut nous aider à exprimer la personnalité d'un personnage. On apprend la cohérence en pratiquant et en observant le résultat. La cohérence est un des 12 principes fondamentaux de l'animation, décrit dans le livre "L'Illusion de Vie" (1981) par les animateurs des studios Disney Ollie Johnston et Frank Thomas.


Animation traditionnelle

L'animation traditionnelle, aussi nommée "dessin animé" était la technique d'animation la plus utilisée au 20e siècle. Elle est faite en photographiant (filmant image par image) des dessins sur papier qui sont ensuite redessinés ou copiés sur des calques transparents où ils peuvent être aussi colorisés. En superposant les calques les uns sur les autres, on crée l'apparence complète du dessin animé (les personnages, les fonds, les accessoires...)


Bande-annonce (trailer)

Courte vidéo qui annonce la sortie du film dans les cinémas et autres plateformes (web, télévision, tablettes, smartphones). Le plus souvent, la bande-annonce contient des parties comptant parmi les plus attrayantes du film et parfois des scènes qui ne sont même pas présentes dans le produit final. La bande-annonce est caractérisée par un montage dynamique, elle pose des questions dont les réponses seront trouvées dans le film, et possède un son spectaculaire qui accompagne la voix qui présente l'histoire. Dans de rares cas, le réalisateur crée spécifiquement un petit film original, un prologue à l'histoire ou une autre idée créative.


Les 12 principes de base de l'animation

Les 12 principes de base de l'animation ont été décrits en 1981 par les animateurs des studios Disney Ollie Johnston et Frank Thomas dans leur livre "L'Illusion de Vie". Le livre présente le travail des meilleurs animateurs des studios Disney depuis les années 30 et leur ambition de rendre les animations aussi réalistes que possible. Le but principal de ces principes est de créer des personnages qui suivent les lois de la physique (pour qu'ils semblent vivants), mais ils ont aussi touché à des problématiques plus abstraites comme le charisme des personnages ou la cohérence émotionnelle de l'histoire.

https://fr.wikipedia.org/wiki/12_principes_de_base_de_l'animation


Le film de guerre

Les films de guerre sont pleins de suspense, de drame et présentent des évènements qui ont eu lieu pendant des guerres modernes ou historiques. Ils contiennent parfois aussi une histoire d'amour.


Western

Film de genre très caractéristique avec une longue et célèbre tradition. Les westerns sont caractérisés par des cowboys, des indiens, des shérifs, des bandits, de l'or, des armes, des chevaux et beaucoup d'action. Les histoires ont lieu dans l'impitoyable Far West ou dans de poussiéreuses petites villes sans foi ni loi.


Zootrope

Une machine du pré-cinéma qui produit l'illusion du mouvement par une rapide succession d'images fixes. Le zootrope est un cylindre avec beaucoup de fentes verticales sur les côtés. A l'intérieur se trouve une bande imprimée avec les images d'une séquence. Quand le zootrope tourne, on voit une rapide succession des images dans les fentes du cylindre, ce qui crée l'illusion du mouvement.